Die Grammys

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Das vielfältige, genreübergreifende Programm von Afropunk 2023 fand am 26. und 27. August in Brooklyn statt und stellte einige der aufregendsten Künstler der schwarzen Musik vor. Von der Headlinerin Teyana Taylor bis hin zu aufstrebenden Stars wie King Isis – besuchen Sie acht unglaubliche Afropunk-Acts noch einmal.

In einer gesättigten Branche ist es für ein Musikfestival keine Kleinigkeit, ständig frisch und subversiv zu wirken, ganz zu schweigen von einem Festival, das sich über mehrere jährliche Auflagen rund um den Globus erstreckt. Aber Afropunk, das Musik- und Kunstfestival, das die alternative schwarze Kultur feiert, hat dies seit seiner Gründung im Jahr 2005 konsequent getan.

Die Veranstaltung in Brooklyn ist de facto das Flaggschiff von Afropunk und die diesjährige Ausgabe brachte mehrere große Änderungen mit sich. Afropunk 2023 zog vom Commodore Barry Park in Fort Greene zum Terminal Market in Greenpoint, einem kompakteren Veranstaltungsort am Ufer des East River, der den Aufführungen eine atemberaubende Skyline-Kulisse bot. Das Festival fand am 26. und 27. August statt und war eine ideale Veranstaltung zum Abschluss des Sommers.

Das Thema des Festivals war „Zirkus der Seele“ und voller Stelzenläufer, Trapezkünstler und Akrobaten, die der zweitägigen Veranstaltung eine skurrile, surreale Atmosphäre verliehen. (Es hat geholfen, dass viele Mitglieder des Afropunk-Publikums – durchweg eines der am besten gekleideten Musikfestival-Publikums – dem Karnevalsmotiv ihre eigene Note verliehen.)

Aber ein Musikfestival kann ohne starke Auftritte nicht als Erfolg betrachtet werden, und Afropunk hat ein vielfältiges, genreübergreifendes Line-up zusammengestellt, das einige der aufregendsten Künstler der schwarzen Musik hervorhebt. Von der Headlinerin Teyana Taylor bis hin zu aufstrebenden Stars wie King Isis – das sind acht herausragende Auftritte, die GRAMMY.com bei Afropunk Brooklyn 2023 gesehen hat.

Der in Cleveland geborene Sänger, Songwriter und Produzent Durand Bernarr genießt in der Branche hohes Ansehen, arbeitet aber immer noch daran, diesen Bekanntheitsgrad auch bei einem Gelegenheitspublikum zu erreichen. Aber Bernarrs Afropunk-Set war ein überzeugendes Argument für Bernarr als zukünftigen Star.

Die „Next Big Thing“-Absolventen zeigten atemberaubende Vielseitigkeit und wechselten nahtlos vom frechen 90er-Jahre-Funk auf „Summons“ zur dampfenden Ballade mit „Stuck“. Bernarr bot auch einen der ergreifendsten Momente des Tages, als er seine Zusammenarbeit mit dem verstorbenen Komponisten Daniel Jones aufführte, der letzten Monat tragisch verstarb.

Es macht Sinn, dass Tobe Nwigwe aus Houston als Schauspieler Erfolg hat, denn seine Musik hat einen wirklich filmischen Touch. Sein Auftritt auf dem Festival mit dem Titel „A momint at Afropunk“ war ein voller Erfolg, wobei der Sänger und seine Band in frischer, mintfarbener Kleidung auf der Bühne auftauchten. Mit einer Armee von Backup-Sängern und einem Chor auf der Leinwand hinter sich – vielleicht die beste Nutzung des Videomonitors das ganze Wochenende über – sang Nwigwe Songs aus seinem moMINTs-Album durch und rappte wild auf Songs wie „Lord Forgive Me“ und „Catfish Blackened“. mit Grütze.

Der Sänger und seine Band haben viel Erfahrung darin, seine bombastische Musik in eine Performance-Umgebung umzusetzen – Nwigwe veröffentlichte im Januar 2022 sogar eine Live-LP – und sein Afropunk-Auftritt hatte ein grandioses Tempo, das er mit seinem Live-Show-Klassiker „Hydration Reprise“ verlangsamte, bevor er die Geschwindigkeit steigerte Energie wieder aufladen.

Der GRAMMY-nominierte Rapper brachte einige Gäste mit, darunter Olu von Earthgang, aber das Herausragende war Nwigwes kleine Tochter, die ursprünglich auf die Bühne kam, um bei der Aufführung von „Wildlings“ (laut Nwigwe ihr Lieblingssong ihres Vaters) mitzuhelfen. Am Ende sang sie zwar nicht, aber es war einer von mehreren denkwürdigen Momenten in einem fesselnden Set, der verdeutlichte, warum Nwigwes Starpower über künstlerische Medien hinausgeht.

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Zum krönenden Abschluss des ersten Tages spielte die New Yorker Sängerin/Songwriterin Madison McFerrin auf der kleineren Bühne eines der bezauberndsten Sets des Afropunk, bei dem die Zuschauer Titel zu ihren Spotify-Playlists hinzufügen, bevor McFerrin sie überhaupt mit der Aufführung beendet hat.

McFerrin spielte mehrere herausragende Stücke aus ihrem 2023 erschienenen Album I Hope You Can Forgive Me, darunter das verletzliche „(Please Don't) Leave Me Now“ und „Stay Away (From Me)“, das McFerrin und ihre Band geschickt in einen Bossa verwandelten Nova Groove. Der kristalline Gesang, der McFerrins Studioprojekte so fesselnd macht, wurde auf die Afropunk-Bühne übertragen, mit reichlich federleichten Melodieläufen.

Zwischen den Titeln gelang es McFerrins Geplänkel, sowohl mühelos als auch überschäumend zu sein. Nachdem sie einen abgedroschenen Witz darüber gemacht hatte, dass ihre Bandkollegin Brooklyn nach Brooklyn gekommen sei, um dort aufzutreten, unterstrich sie den Krach, indem sie den DJ-Airhorn-Sound nachahmte. Bei der Einführung von „Hindsight“ erklärte McFerrin, dass es sich bei dem Titel nicht um eine gewöhnliche romantische Ballade handele, sondern um eine Zusammenfassung ihrer Gefühle, als Bernie Sanders sich nicht die Nominierung der Demokraten für 2020 sicherte. „Wenn Ihnen auch ein 80-jähriger weißer Mann das Herz gebrochen hat, ist dieses Lied genau das Richtige für Sie“, sagte sie.

Zu Beginn seiner Karriere hatten die Lieder von Vince Staples eine bedrohliche, schroffe Qualität, die seine lebendigen Geschichten über das Hundeleben in Long Beach, Kalifornien, widerspiegelte. Staples hat sich auf seinen letzten beiden LPs eine interessante Nische erobert, indem er das Tempo verlangsamt und mehr melodische Raps auf trägen Percussions und stimmungsvollen Synthesizern bietet.

Sein Afropunk-Set 2023 hatte eine sanfte Besinnlichkeit, die Vince zu einem idealen Kandidaten für den Sunset-Slot machte. Staples betrat die Bühne alleine, und obwohl er keine konventionell große Persönlichkeit ist – das ist einer der Gründe, warum er eine erfolgreiche Nebenkarriere als ausdrucksloser Komödiant in „Abbott Elementary“ und dem Remake von „White Men Can't Jump“ aufbaut – ist sein entspanntes Auftreten faszinierend , besonders im Kontrast zur Lebendigkeit seiner Texte.

Bei Staples' Auftritt war vor allem Ramona Park Broke My Heart aus dem letzten Jahr zu hören, das mit dem trommellosen „The Beach“ eröffnet wurde, ein passendes Beispiel für seine technischen Fähigkeiten und seine Atembeherrschung. Er wechselte zu einigen treibenderen Titeln wie dem von Juicy J unterstützten „Big Fish“ und „Rose Street“.

Zurückhaltung war schon immer der Schlüssel zu Staples' Attraktivität, sowohl im Studio als auch auf der Bühne, daher wirkte die reduzierte Art seines Afropunk-Sets charakterbeständig, insbesondere da ihm der trippige Maximalismus von Flying Lotus folgte.

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Auf der kleineren der beiden Afropunk-Bühnen demonstrierte King Isis aus Oakland ihre Genre-Fähigkeit während eines fesselnden Sets, das Avantgarde-Jazz, Alternative-Rock und Schlafzimmer-Pop umfasste. Songs wie „141827“ erinnern an die Gitarrenarbeit von Jonny Greenwood bei frühen Radiohead-Projekten, während das mitreißende „I'm Fine, Thx 4 Asking“ eine aufregende Variante des Garagenrocks der 90er Jahre ist.

Ihre Stimme passt gut in die gefeierte Riege zeitgenössischer Indie-Künstler wie Nilüfer Yanya und King Krule, die bluesige, weltmüde Vocals auf Instrumenten platzieren, die verwaschene Gitarrenakkorde betonen. (Isis hat während ihres Sets sogar Nirvanas „Smells Like Teen Spirit“ gecovert.)

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Wenn die Musikindustrie eine echte Leistungsgesellschaft wäre, wäre Baby Tate aus Atlanta ein Superstar, der die Charts anführt. Ihr Auftritt bei Afropunk war ein typisch ehrgeiziger, mitreißender Auftritt der unterschätzten Rapperin und Sängerin. Während ihrer Zeit auf der Bühne war Tate genreübergreifend unterwegs, rappte über Ciaras „1, 2 Step“, zeigte die Kraft ihrer Stimme auf dem dampfenden „What’s Love“ und stellte eine Vorschau auf eine kommende Platte vor, auf der sie in den Club-Sound von Jersey eintaucht.

Ein besonders eindringlicher Moment kam, als Tate 2021 bei Afropunk Atlanta auf die Kritik an ihrem Outfit reagierte. Tate sprach offen darüber, wie sich die Situation auf sie auswirkte, als grausame Social-Media-Beiträge auf dem Bildschirm aufleuchteten – und auch Unterstützungsbotschaften von Stars wie Rihanna. „Als ich das letzte Mal zu Afropunk kam, haben sie viel geredet – [und] ich habe Unsicherheiten gespürt, von denen ich nicht einmal wusste, dass ich sie habe“, sagte sie. Das führte sie letztes Jahr zum herausragenden „Pedi“, einem ausgelassenen Track, auf dem Tate zu einem vom Miami-Bass inspirierten Beat skatet.

Tate und ihr DJ Sky Jetta hatten während des gesamten Sets ein hervorragendes Verhältnis. Selbst als der Moderator kurz die Bühne verließ, fesselte Sky Jetta die Aufmerksamkeit des Publikums und sang Panic! „I Write Sins Not Tragedies“ von At the Disco und „Misery Business“ von Paramore, Titel, die sich in Tates genreübergreifender Darbietung nicht fehl am Platz anfühlten. Als Tate wieder zum Mikrofon griff, untermalte sie einen herausragenden Auftritt mit den Hits „Eenie Meenie“ und „I Am“.

Während Joey Badass' Geplänkel herrschte spürbare Spannung, als er Afropunk dafür kritisierte, dass es so lange gedauert hatte, ihn zu buchen, und das Festival wegen technischer Schwierigkeiten kritisierte, die seinen Auftritt verzögerten. „Es war nicht die professionellste Veranstaltung, an der ich je teilgenommen habe, aber es ist die schönste Veranstaltung, an der ich je teilgenommen habe“, sagte er.

Diese Momente bleiben im Gedächtnis, denn der vorletzte Auftritt des Festivals war von einer durchdringenden Positivität geprägt. Nachdem er mit frühen Karriereplatten wie „Righteous Minds“ und „95 Til Infinity“ begonnen hatte, tauchte Joey in ein Segment langsamerer, romantischer Tracks ein, als Teil seines Ziels, „die schwarze Liebe auf die beste Art und Weise zu feiern“. Einige dieser Tracks, wie das träge „Show Me“ und das verträumte „Love is Only a Feeling“, klingen im Studio flach, funktionieren aber live dank der Tiefe des Sounds und der leidenschaftlichen Darbietung des Rappers. Der Auftritt erwies sich für Joey als geeignete Plattform, um seine technischen Fähigkeiten mit einem beeindruckenden A-capella-Rap zum Abschluss von „Make Me Feel“ unter Beweis zu stellen, der eine starke Reaktion des Publikums hervorrief.

Joey, der in Bed-Stuy aufgewachsen ist, schien von der Situation berührt zu sein und bezeichnete sie an verschiedenen Stellen während des Sets sowohl als „Familientreffen“ als auch als „Heimkehrmoment“. Er zollte verstorbenen Kollegen wie Juice WRLD, Nipsey Hussle und Capital Steez von Pro Era eine ergreifende Hommage, bevor er seine XXXtentacion-Kollaboration „Infinity (888)“ aufführte, und schloss das Set mit „Devastated“, dem wohl größten Hit seiner Karriere.

Die Aufnahme von Teyana Taylor wurde weniger als zwei Wochen vor Afropunk bekannt gegeben, da die ursprüngliche Headlinerin Jazmine Sullivan ihren Auftritt absagte, um weiterhin über den Tod ihrer Mutter zu trauern. Aber Taylor – ein unglaublich überzeugender Künstler, dessen Karriere ständig von Labelproblemen beeinträchtigt wurde – präsentierte zum krönenden Abschluss des Wochenendes das filmischste und konzeptionellste Set des Festivals.

Taylors Auftritt war eine Erweiterung ihrer „Last Rose Motel Tour“ und beinhaltete Bildmaterial zum Thema Hotel, vergoldete Hotelgepäckwagen und sogar einen kurzen Hauch von Aufzugsmusik. Getreu ihrem Spitznamen „Rose in Harlem“ enthielt das Set eine atemberaubende Menge an Blumen, darunter eine Tänzerin, die aus einer Hochzeitstorte auftauchte, die vollständig aus Rosen bestand. Der beste erzählerische Moment des Sets kam, als Taylor, gekleidet in einen Anzug und einen gelben Trenchcoat, auf der Bühne einen Mann zu ersticken schien – eine Anspielung auf ihr Musikvideo „Bare Wit Me“. Sie wurde von als Polizisten verkleideten Ersatztänzern befragt, alles im natürlichen Ablauf des Sets.

Taylor schien mit erheblichen technischen Schwierigkeiten zu kämpfen und wechselte schließlich von einem Headset-Mikrofon zu einem Handheld-Mikrofon. Doch das Problem mit der Tonqualität trug kaum dazu bei, ihre allgemeine Starleistung zu schmälern. Taylor spielte eine Reihe von Songs aus KTSE und The Album, wobei er bei „1800-One-Night“ und „Hurry“ besonders scharf klang.

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Vor seinem nächsten Album „Til Next Time“ traf sich GRAMMY U mit DJ Khaled, um über das 50-jährige Jubiläum des Hip-Hop zu sprechen und darüber, wie junge Musikschaffende in seine Fußstapfen treten können.

Der Hip-Hop-Hitmacher DJ Khaled macht das, was er am besten kann: Musik machen und andere inspirieren. Khaled ist seit den 90er-Jahren dabei und schaffte es vom Plattenspieler in seiner Garage bis zur GRAMMY-Bühne. Heute hat der mit einem GRAMMY ausgezeichnete Produzent und Künstler eine Vielzahl von Rollen inne.

„Ich bin Vater, ich bin Produzent, ich bin DJ, ich bin Musikmanager, ich bin Manager, ich bin ein junger Unternehmer“, sagte Khaled zu GRAMMY U-Nationalrepräsentantin Carlie Anderson.

Khaled zeigte, dass er auch ein Vorbild ist, indem er sich die Zeit nahm, mit GRAMMY U im Anschluss an eine Veranstaltung am 16. August im Soho Beach House in Miami zu sprechen. Dort unterhielt sich Khaled mit Carl Lamarre, dem stellvertretenden Direktor für R&B und Hip-Hop bei Billboard.

Das Gespräch war nicht genau geplant, aber Khaled nutzte die Gelegenheit, um mit dem jüngeren Publikum von GRAMMY U zu sprechen, und forderte die Menschen um ihn herum sogar auf, ruhig zu sein, damit er Anderson seine volle Aufmerksamkeit widmen konnte.

Khaled dachte über die Entstehung seines Debütprojekts Listennn…the Album aus dem Jahr 2006 sowie über den 50. Jahrestag des Hip-Hop nach. Wie viele Künstler und Fans glaubt Khaled, dass Hip-Hop mehr als nur ein Musikgenre ist: Es ist ein Lebensstil.

„Hip-Hop bedeutet für mich nicht nur alles, es ist auch eine Kraft der Größe“, sagt Khaled zu Anderson. „Hip-Hop hat mein Leben verändert, mein Leben gerettet. Ich liebe Hop-Hop. Ich muss Hip-Hop für den Segen und die Inspiration danken, für die Art und Weise, wie Hip-Hop mich erzogen hat.“

Khaled erinnerte sich, wie er auf eigene Faust zum Hip-Hop kam und begann, in die Welt hinter der Musik einzutauchen. Als führender Mitwirkender dieser Kultur denkt Khaled nun regelmäßig darüber nach, wie die Kultur ihn zu dem gemacht hat, der er ist.

Wenn es darum geht, andere zu inspirieren, nimmt Khaled seine Position sehr ernst. Sein Rat an junge und aufstrebende Musikschaffende war einfach: „Sei einfach du selbst.“

„Die Welt gehört dir“, fuhr Khaled fort. „Du selbst zu sein ist das Schönste auf der Welt.“

Nachdem er fünf Nominierungen bei den GRAMMY Awards 2023 erhalten hat und bei der Show neben Jay-Z, Lil Wayne, John Legend und Rick Ross aufgetreten ist, zeigt Khaled keine Anzeichen, dass er damit aufhört. Anfang August kündigte er sein 14. Studioalbum „Til Next Time“ an. Das neue Projekt wird sein erstes im Rahmen der neuen Partnerschaft mit Def Jam sein (im Februar verließ der Rapper Sony Music, um sich der Universal Music Group anzuschließen). Mit diesem Deal wurde Khaled auch zum Global Creative Consultant für UMG ernannt.

Zur Ankündigung seines Albums gab es auch einen vierminütigen Trailer mit seiner Frau und seinen beiden Kindern. Mit durchweg komischen Momenten von Khaled orientiert sich das Video immer noch an den charakteristischen motivierenden Gefühlen, für die der Produzent bekannt ist.

„Erfolg ist nicht einfach“, sagte Khaled im Trailer. „Du musst es so sehr wollen, dass du bereit bist, alles aufs Spiel zu setzen, selbst wenn du dein eigenes Leben riskierst.“

Es ist keine Überraschung, dass Khaled einige große Features für das Album geplant hat. Die Debütsingle „Supposed to Be Loved“ stellt bereits die häufige Kollaborateurin Lil Baby sowie Future und Lil Uzi Vert vor, die zum ersten Mal mit der Musikerin zusammenarbeitet.

Als wahrer Meister der Zusammenarbeit erzählte Khaled GRAMMY U, dass seine Partner oft auch seine Inspiration sind. Dr. Dre, Puff Daddy und Fat Joe stehen hoch im Gedächtnis, ebenso wie Jay-Z, dem Khaled zuschreibt, dass er „uns gezeigt hat, dass alles und jedes möglich ist“ in dieser Branche.

Khaled dankte auch seinen Unterstützern dafür, dass sie ihm bei all seinen verschiedenen Unternehmungen zur Seite standen.

„Meine Fans sind meine Inspiration“, sagt Khaled. „Sie halten mich am Laufen und lassen mich das tun, was ich liebe: Musik machen und Hip-Hop repräsentieren.“

Mit „Til Next Time“ und seinen anderen Bemühungen strebt Khaled danach, den Hip-Hop weiter voranzutreiben. Der Meilenstein dieses Genres ist für ihn der erste von vielen: „Nicht nur Hip-Hop 50, es ist Hip-Hop für immer.“

11 Hip-Hop-Subgenres, die man kennen sollte: Von Jersey Club bis G-Funk und Drill

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Feiern Sie das goldene Jubiläum des Hip-Hop, indem Sie sich diese 10 Podcasts ansehen, die Sie unbedingt hören sollten. Jede Serie deckt eine Reihe von Themen ab, die mit der Kultur verbunden sind, von offenen Konservationen mit Elite-Moderatoren bis hin zu tiefen Einblicken in die Rap-Geschichte mit Chuck D.

Seit seiner Entstehung bei der Schulanfangsparty von DJ Kool Herc im Jahr 1973 hat sich Hip-Hop von einem Nischenmusikgenre zu einem kulturellen Phänomen entwickelt, das viele Branchen beeinflusst. Sie ist zur treibenden Kraft hinter Mode, Kunst, Film und Werbung geworden und hat die Unterhaltungslandschaft der Welt neu gestaltet.

Von „The Combat Jack Show“ bis „The Joe Budden Podcast“ hat die Popularität des Genres eine Reihe von Hip-Hop-Podcasts hervorgebracht, die die Online-Streaming-Welt dominieren.

Diese kraftvollen Podcasts und Dutzende andere bieten eine Plattform für offene Interviews mit Künstlern, kulturelle Diskussionen und tiefgreifende Analysen der Rap-Welt. Einige gehen jedoch noch einen Schritt weiter und befassen sich mit den praktischen und weniger glamourösen Aspekten der Kultur wie Finanzen, Unternehmertum, Bildung, Aktivismus und Frauenförderung.

Egal, ob Sie sich für die Inspiration hinter dem Song Ihres Lieblingsrappers interessieren oder einfach mehr über die Geschichte des Genres erfahren möchten, diese 10 Hip-Hop-Podcasts sind für Sie da.

Ganz gleich, ob Sie ein Hip-Hop-Fan sind, der auf der Suche nach Einblicken ist oder einfach nur lachen und guten Rap-Tee hören möchte, bei Drink Champs sind Sie genau richtig.

Von der kontroversen Ye-Folge bis hin zu Snoops offener Diskussion über den Kauf seines ehemaligen Labels Death Row ist der Podcast für seine offenen und ungefilterten Gespräche mit den angesagtesten Künstlern der Branche bekannt.

Die Moderatoren NORE (auch bekannt als Noreaga) und DJ EFN lassen Getränke für Erwachsene in Strömen fließen und mischen sich mit Hip-Hop-Königen auf, die Geschichten über ihre Hitalben und Dissidenten-Tracks erzählen und Mythen zerstören, die sie während ihrer gesamten Karriere verfolgt haben. Die frei fließenden Trankopfer tragen dazu bei, alle aufzulockern und bereiten die Bühne für virale und kontroverse Momente.

Wenn es um Hip-Hop geht, weiß Manny Faces, was los ist. Er ist Gründer und Geschäftsführer des Center for Hip-Hop Advocacy, das sich darauf konzentriert, das öffentliche Verständnis für Hip-Hop-Musik und -Kultur zu fördern. Hip-Hop hat mit einer ganzen Reihe negativer Stereotypen zu kämpfen, aber sie machen nur einen Bruchteil des Gesamtbildes aus. Und Faces versucht, die andere Seite dieser viel geschmähten Bewegung hervorzuheben, indem es den positiven Einfluss von Hip-Hop auf Gemeinden im ganzen Land hervorhebt.

Mit seinem langjährigen Podcast „Hip-Hop Can Save America!“ Der preisgekrönte Journalist untersucht, wie die Musik- und Kulturbewegung genutzt wird, um Aspekte von Bildung, Wissenschaft, Gesundheit, Aktivismus, Politik, Wirtschaft und Kunst im ganzen Land positiv zu beeinflussen.

In Gesprächen mit Autoren, Künstlern, Pädagogen, Aktivisten und Wissenschaftlern taucht Faces tief in die unzähligen Möglichkeiten ein, wie Hip-Hop branchenübergreifend für Veränderungen und sinnvolle Transformationen eingesetzt wird.

Was als abonnementbasierter Newsletter begann, hat sich inzwischen zu einem dynamischen Podcast- und Medienunternehmen entwickelt, das die finanziellen Aspekte von Hip-Hop analysiert. „Trapital“-Moderator und Gründer Dan Runcie legt großen Wert auf tiefgreifende Analysen und Einblicke und nutzt seinen Technologie-/Finanzhintergrund, um die geschäftliche Seite des Rap-Spiels zu erkunden und seine finanziellen Strategien und Auswirkungen aufzudecken.

Im Laufe der Show hat Runcie Musikmanager interviewt und den Aufstieg von Künstlern wie Burna Boy, den Umsatz bei MoTown, den Zustand von Streaming und physischen Medien sowie den Niedergang großer Plattenlabels untersucht.

Wenn Sie schon immer die Geschichte hinter MC Lytes berüchtigtem Diss-Song „10% Dis“ wissen wollten oder wie Ja Rule seine Nische gefunden hat, ist Rap Stories der richtige Podcast für Sie.

„Rap Stories“ wurde anlässlich des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums ins Leben gerufen und wirft einen Blick hinter die Kulissen mit kulturverändernden Künstlern – darunter Goodie Mob, MC Lyte, Currensy, Too $hort und BIG KRIT –, die intime Einblicke, Produktionsdetails und Hintergrundgeschichten bieten über ihre einflussreichsten und kulturell bedeutendsten Werke.

Nein, Ihr Verstand spielt Ihnen keinen Streich. Scarface und Willie D von den Geto Boys sind die Moderatoren dieses fesselnden Podcasts, der 2021 auf Charlamagne tha God's The Black Effect Podcast Network startete. Darin reflektieren die Southern-Rap-Pioniere über ihr Vermächtnis und ihren Aufstieg zum Star, zerstreuen Gerüchte und bieten Einblicke hinter die Kulissen ihrer Zeit bei der Hip-Hop-Gruppe aus Houston. Die Gastgeber mischen sich auch mit Gästen auf, die die Kultur geprägt haben, darunter Rap-A-Lot-Gründer J Prince, Lil Keke, Krayzie Bone, 2 Chainz, Freddie Gibbs, NBA-Ikone Allen Iverson und mehr.

Dies ist jedoch nicht nur ein längeres Gespräch über ihre Karriere oder Musik. Der Podcast lädt auch Vordenker aus der Welt der Politik, der Popkultur und darüber hinaus zu anregenden Gesprächen zu einer Vielzahl von Themen ein, von Waffengewalt und sozialer Gerechtigkeit bis hin zu psychischer Gesundheit, Beziehungen und Spiritualität.

„Das Hauptziel des Podcasts besteht darin, zu informieren und zu belehren“, sagte Willie D gegenüber The Root im Jahr 2021. „Ähnlich der Musik, die wir im Laufe unserer Karriere gemacht haben.“

Von Mitte der Achtziger bis Anfang der 2010er Jahre spielten Musikblogs eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Hip-Hop-Landschaft. Während dieser Zeit bot das Internet sowohl etablierten als auch aufstrebenden Künstlern wie Drake und Kid Cudi eine Plattform, um ihre Musik direkt mit Fans über diese kleineren Blogseiten zu teilen, wo Fans ihre neue Musik herunterladen konnten.

Dieser von den Brüdern Eric und Jeff Rosenthal moderierte Podcast untersucht die einflussreiche Ära der MP3-Blogs im Hip-Hop zwischen 2007 und 2012, als Künstler die Macht des Internets nutzten, um ein breiteres Publikum zu erreichen und außerhalb traditioneller Kanäle kommerziellen Erfolg zu erzielen. Die Serie fängt die Wirkung dieser Amateurpublikationen und ihren transformativen Einfluss auf die Kultur ein.

Wenn sie nicht gerade mit JT zertifizierte Knaller abliefert, hält Yung Miami es in ihrem Hit-Podcast aufrecht, in dem sie mit Hip-Hop- und R&B-Stars wie Summer Walker, Megan Thee Stallion, Trina, G Herbo und Latto plaudert. Die lebhafte Podcast-Moderatorin lässt bei diesen ausgedehnten Gesprächen mit ihren Kollegen und anderen Branchengrößen nichts unversucht, von Klatsch und Geheimnissen hinter den Kulissen bis hin zu intimen Details über Beziehungen, Karrieren und psychische Gesundheit.

Aber ohne die Laserinstinkte von Diddy wäre ihre Moderationstätigkeit möglicherweise nicht zustande gekommen. Nachdem er sich Careshas Auftritt in einer Folge des Podcasts „Respectfully Justin“ von Justin Laboy und Justin Combs angesehen hatte, war der Musikmogul von ihren Reaktionen entzückt und wandte sich an sie, ob er ihre eigene Show auf seinem Revolt-Podcast-Netzwerk moderieren möchte.

Die erste Folge der Serie wurde Ende 2022 auf YouTube veröffentlicht und brach innerhalb von 24 Stunden nach ihrer Veröffentlichung mit fast 2 Millionen Aufrufen einen Zuschauerrekord.

Als Jazzie Belle Frauen stärken wollte, indem sie ihre Stimmen hervorhob und Selbstständigkeit und Selbstvertrauen förderte.

„Die Prämisse der Show besteht darin, den Einfluss, die Wirkung und das Talent von Frauen innerhalb der Kultur zu beleuchten – insbesondere für Frauen, die in einer von Männern dominierten Branche erfolgreich sind, um ihre Geschichte zu erzählen und andere Frauen zu inspirieren, andere zu inspirieren.“ Frauen“, sagte Belle zu Vibe.

Der langjährige Podcast hat eine beeindruckende Reihe von Gästen begrüßt, darunter Da Brat, Roxanne Shanté, Rapsody, Latto und Gangsta Boo sowie die mehrfach mit Platin ausgezeichnete R&B-Sensation Faith Evans und die Medienmacht Wendy Williams.

Wer könnte die Geburt des Hip-Hop besser erkunden als einer seiner Pioniere? Hip-Hop-Ikone Chuck D hat sich mit Audible für eine neue Podcast-Serie mit dem Titel „Can You Dig It?“ zusammengetan. Die fünfteilige Serie feiert diesen Monat anlässlich des 50. Geburtstags des Hip-Hop Premiere und befasst sich mit den Ursprüngen der Kultur in der Bronx in den frühen 1970er Jahren.

Erzählt von Chuck D: „Can You Dig It?“ kombiniert Drehbuchszenen mit Einblicken von Straßenfotografen, Moderatoren und ehemaligen Black Panthers. Die Audiodokumentation erkundet die Geschichten derjenigen, die die Anfänge des Hip-Hop geprägt haben, und beleuchtet ihren wesentlichen Beitrag zur globalen Wirkung des Genres.

Die Serie beleuchtet die Geschichte des Mordes an Cornell „Black Benjie“ Benjamin, der zu einem historischen Friedenstreffen auf der Hoe Avenue führte, das rivalisierende Banden in der South Bronx vereinte. Dieser Waffenstillstand schuf eine sicherere, enger verbundene Gemeinschaft und ebnete den Weg für die Party von DJ Kool Herc am 13. August 1973 in der Sedgwick Avenue 1520, die weithin als Geburtsort des Hip-Hop gilt.

Der Musikliebhaber und produktive Schöpfer Questlove möchte in diesem wöchentlichen Podcast, der gemeinsam mit Team Supreme moderiert wird, die Künstler bekannt machen, die ihn begeistern: Phonte, Unpaid Bill, Suga Steve, Laiya St. Clair und Boss Bill.

Dieses Paradies für Musikliebhaber bietet Interviews mit einer Reihe von Acts und Musiklegenden sowie ein umfangreiches Line-up der Hip-Hop-Elite, darunter Q-Tip, Jermaine Dupri, Ice-T, DJ Drama, Pete Rock und DJ Quik.

6 unbedingt anzusehende Hip-Hop-Dokumentationen: „Hip-Hop x Siempre“, „My Mic Sounds Nice“ und mehr

Foto: The Chosunilbo JNS/Imazins über Getty Images

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Während das 20-köpfige K-Pop-Kollektiv NCT sein viertes Album „Golden Age“ veröffentlicht, tauchen Sie mit allen sechs Iterationen der Gruppe tief in das NCT-Universum ein.

Als NCT ihr Debütalbum NCT 2018 Empathy veröffentlichte, wurde in einem begleitenden Dokumentarvideo dargelegt, was alle seine Stücke verbindet. „NCT teilt Träume“, sagt eine Stimme auf Englisch, eine andere fügt auf Mandarin hinzu: „Die Töne werden eins und werden zur Musik.“

Dieser umfassende Bereich – bei dem „Offenheit“ und „Erweiterbarkeit“ die Hauptprinzipien sind – begann sich im Januar 2016 zu entwickeln. Dann kündigte der Gründer von SM Entertainment, Lee Soo-man, die Entstehung eines Mega-Ensembles namens Neo Culture Technology an, das eine immerwährende Zukunft haben würde. wachsende Zahl von Mitgliedern, die in verschiedenen Einheiten organisiert sind, mit dem Ziel, sich in eine globale Einheit zu verwandeln. Im Frühjahr desselben Jahres debütierte die erste Iteration, NCT U, mit „The 7th Sense“ und markierte den Startschuss für die Untergruppen NCT 127, NCT Dream und WayV.

Ein Blick in die Gegenwart zeigt, dass sich diese Supergroup zu einem der einflussreichsten K-Pop-Acts der Branche entwickelt hat. Derzeit gibt es 20 aktive Mitglieder, die in den unterschiedlichsten Bereichen hochqualifiziert sind, und jede NCT-Abteilung – mittlerweile insgesamt sechs – zeichnet sich durch eine einzigartige Identität aus. Das gesamte NCT-Kollektiv hat sich auch für abendfüllende Produktionen zusammengetan (Empathy 2018, NCT 2020 Resonance 2020, Universe 2021 und das neu gegründete Golden Age), die das volle Ausmaß ihrer Leistungsfähigkeit unter Beweis stellen.

Vor diesem Hintergrund war 2023 ein Übergangsjahr. NCT Dream und NCT 127 haben ihre ersten Welttourneen seit Ausbruch der Coronavirus-Pandemie abgeschlossen; WayV hatte seine ersten Unternehmungen außerhalb Asiens; NCT DoJaeJung wurde gegründet; und Anführer Taeyong debütierte als erster offizieller NCT-Solist. Vor allem aber beendete SM Entertainment die endlose Expansion der Gruppe, wobei die kommende NCT Tokyo die letzte Untergruppe war, die sich dem Moloch anschloss.

Um die Veröffentlichung von NCTs viertem Studioalbum „Golden Age“ am 28. August zu feiern, schlüsselt GRAMMY.com alle im NCT-System vorhandenen Permutationen auf.

Als erste Untereinheit von NCT gilt NCT U als Kern der komplexen Maschine, die das System der Supergruppe verbindet. Seine Verfassung ist vielfältig und formbar und verkörpert die Prämisse all dessen, was die Welt der Neokulturtechnologie ausmacht, eine Herrschaft, in der die Möglichkeiten unendlich sind.

Diese Erweiterung fungiert als Nexus, bei dem die Anwesenheit und Anzahl der Mitglieder je nach den konzeptionellen Entscheidungen für jede Veröffentlichung variiert und die Tür zu unzähligen Allianzen öffnet, die ihre künstlerische Agilität zur Schau stellen. Das „U“ in seinem Namen bedeutet „Vereint“ und bezieht sich auf die Verbindung zwischen der NCT-Familie.

Anfang April 2016 veröffentlichte die ursprüngliche Besetzung von NCT U – Taeyong, Ten, Doyoung, Jaehyun und Mark – ihre Debütsingle „The 7th Sense“; Spätere Comebacks wie „Baby Don’t Stop“ und „BOSS“ gehören heute zu den besten Songs, die K-Pop in den letzten Jahren zu bieten hat. Für Golden Age kam diese erste Kombination von NCT U noch einmal für den Titelsong des Albums „Baggy Jeans“ zusammen.

Durch die Übernahme von Seoul, Südkorea, als Operationsbasis hat NCT 127 – der Name steht für die Längengradkoordinaten dieser Hauptstadt – als überwältigende Kraft in der Welt des K-Pop Fuß gefasst. Für die neunköpfige Truppe (Taeyong, Taeil, Johnny, Yuta, Doyoung, Jaehyun, Jungwoo, Mark und Haechan) ist Maximalismus ein wichtiger Teil ihrer Kunstfertigkeit und ihre Bühnengewalt ist geradezu aufregend.

Alles beginnt natürlich mit einem Katalog, der stark in EDM und Hip-Hop verwurzelt ist und manchmal mit unwiderstehlichen R&B-Übergängen gespickt ist, die die formverändernde Exzentrizität ihrer Klanglandschaft betonen. Die Debütsingle „Fire Truck“ aus dem Jahr 2016 aktivierte diesen unverwechselbaren (und oft spaltenden) Musikstil, der sich schließlich durchsetzte und Mainstream-Anerkennung erlangte. Aber lassen Sie sich nicht täuschen – die Gruppe weiß auch, wie man die üppige Seite der Dinge nutzt (denken Sie an „Sun & Moon“ von 2017 und „Highway to Heaven“ von 2019).

Mit der Veröffentlichung ihres zweiten Full-Length-Projekts, NCT #127 Neo Zone – The 2nd Album, im Jahr 2020 festigten NCT 127 ihre Position in den oberen Rängen des K-Pop; Das Album verkaufte sich etwas mehr als eine Million Mal, eine Premiere für jede NCT-Abteilung. Aber ihre nächsten Produktionen, „Sticker“ aus dem Jahr 2021 und „2 Baddies“ aus dem Jahr 2022, erwiesen sich sowohl kommerziell als auch klanglich als noch größer – sie verkauften sich jeweils über zwei Millionen Mal und die boomenden Experimente sprengten weiterhin Grenzen.

Gerade wenn man denkt, dass NCT 127 auf dem Höhepunkt ist, bringen sie immer wieder Überraschungen ins Spiel. Und sie werden es wahrscheinlich mit ihrem fünften Album in voller Länge, Fact Check, wiederholen, das für den 6. Oktober geplant ist.

NCT Dream ist jugendlich, fesselnd und anmutig respektlos und besteht aus Mark, Renjun, Jeno, Haechan, Chenle, Jaemin und Jisung. Sie betraten die K-Pop-Landschaft mit dem Hoverboarden (im wahrsten Sinne des Wortes) im Jahr 2016 mit ihrer Debütsingle „Chewing Gum“, einer fröhlichen Vignette ihres aufstrebenden Talents.

Ursprünglich als Einstiegs- und vorübergehender Zufluchtsort für die jüngsten Rekruten bis zum Alter von 19 Jahren konzipiert, wurde das Abschlusssystem von NCT Dream im Jahr 2020 von SM Entertainment aufgelöst und erhielt so einen festen Status. Dann kehrte Mark Lee – der Anführer der Gruppe und das einzige Mitglied, das noch übrig war – zur Ankunft von NCT 2020 Resonance zurück, wo das Septett nach fast zwei Jahren mit dem Song „Déjà Vu“ wieder vereint wurde. Es war ein Moment gleichermaßen glücklicher Stimmung für die Fans und die Mitglieder, als die drohende Ungewissheit über das Schicksal der Gruppe verschwand.

Und als die Dreamies (wie sie liebevoll genannt werden) reifer wurden, reifte auch ihre Musik. Die Klanglandschaft entwickelte sich vom überschwänglichen Teenie-Pop zu einer abenteuerlichen Mischung aus Hip-Hop und R&B, gesteuert durch ihre stimmlichen Fähigkeiten, was zu einer Formel führte, die sich ausgezahlt hat. Das erste Studioalbum von NCT Dream, „Hot Sauce“ aus dem Jahr 2021, verlieh ihnen den Titel „Millionenseller“, ein Meilenstein, der in den nachfolgenden Projekten „Hello Future“, „Glitch Mode“, „Beatbox“ und ihrem neuesten Album ISTJ wiederholt wurde wurde am 17. Juli veröffentlicht.

Im Traumkosmos von NCT ist WayV (eine Abkürzung für „We Are Your Vision“) eine Untergruppe, deren Identität aus einer Verschmelzung von C-Pop und K-Pop resultiert. Seine künstlerischen Komponenten verschmelzen Mandarin, Koreanisch und Englisch, um sich durch lyrische Geschichten zu bewegen, die von Feuer und Fantasie durchzogen sind und dabei die Grenzen der Zeit überschreiten. „Endlich habe ich das Licht gesehen, das sich hinter der Dunkelheit verbirgt“, singen sie in ihrer Single „Kick Back“ aus dem Jahr 2020. „Nach der Entscheidung über die endgültige Wahrheit / Enthülle das Geheimnis der Zeit erneut.“

Gegründet von Kun, Ten, Xiaojun, WinWin, Hendery und YangYang, debütierte diese auf China ausgerichtete Iteration im Januar 2019 mit „Regular“, dem Leadsong ihres ersten Single-Albums „The Vision“. Seit ihrer Gründung haben WayV eine Nische fesselnder, genreübergreifender Musik geschaffen, und B-Seiten wie „Love Talk“, „Electric Hearts“ oder „After Midnight“ stellen diese Eigenart zur Schau. Innerhalb ihrer Besetzung verleihen die Untereinheiten WayV-TEN&YANGYANG und WayV-KUN&XIAOJUN ihrem Repertoire ebenfalls Erfindungsreichtum und beweisen, dass sie echte Chamäleons sind.

Ende 2022 veröffentlichte das Sextett Phantom, ihre vierte EP, die den Abschluss einer zweijährigen Lethargie und einen Neuanfang markierte, bei dem sie stärker als zuvor dastehen.

Während klangliche Risiken als Hauptbestandteile in allen NCT-Zweigen vorherrschen (hauptsächlich in ihren Titeltracks), fand dieses Trio – bestehend aus den Sängern Doyoung, Jaehyun und Jungwoo – seinen Halt in konservativeren Gefilden. Die kreative Ausrichtung ist nektaristisch und verführerisch und beschäftigt sich mit Motiven der Sehnsucht und Romantik.

Die Entwicklung von NCT DoJaeJung wurde im Oktober 2022 während der Konzerttournee Neo City – The Link von NCT 127 vorgestellt, der offizielle Start erfolgte jedoch im vergangenen April mit ihrer ersten EP, Perfume. Das aus sechs Titeln bestehende Mini-Album beleuchtet die Stimmen der drei Mitglieder, die über klassischen R&B-Stücken glänzen, wobei die gleichnamige Lead-Single den Höhepunkt bildet. Dies ist lediglich ein Vorgeschmack auf das, was diese Jungs zu bieten haben, und ein Prolog für weitere verlockende Veröffentlichungen, die noch folgen werden.

Da das Konzept der unbegrenzten Expansion von NCT seine letzte Phase erreicht, kündigte SM Entertainment außerdem die Gründung einer letzten Untergruppe an – vorläufig mit dem Namen NCT Tokyo.

Zu dieser Verzweigung gehören bereits Sion und Yushi, Mitglieder des Pre-Debüt-Teams namens SM Rookies, die im vergangenen Juni der Öffentlichkeit vorgestellt wurden und durch aufstrebende Idole ergänzt werden, die im Rahmen der Reality-Show „NCT Universe: LASTART“ ausgewählt wurden.

Zum Zeitpunkt der Drucklegung ist der Wettbewerb noch nicht abgeschlossen. Auszubildende aus Japan und Südkorea nehmen an Missionen teil, bei denen sie ihre vielfältigen Fähigkeiten unter Beweis stellen müssen. Während der Episoden werden sie von verschiedenen SM-Künstlern betreut, und am Ende jeder Runde erfolgt die Bewertung mit freundlicher Genehmigung der K-Pop-Legenden BoA, Eunhyuk von Super Junior und des Gesangstrainers Jang Jinyoung. Das Debütdatum von NCT Tokyo steht noch nicht fest, aber es wird sicherlich als dynamische Ergänzung des NCT-Universums dienen.

Aufschlüsselung aller Solo-Acts von BTS: Singles, Debütalben und was als nächstes für das Septett kommt

Fotos: Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers; Mit freundlicher Genehmigung von Simone Torres; Mit freundlicher Genehmigung von Róndine Alcalá; Victor Torres

Nachricht

„Leading Ladies Of Entertainment“ feiert die Leistungen professioneller Frauen, die sich in den Bereichen Kunst und lateinamerikanische Unterhaltung hervortun, und findet am Montag, den 13. November, während der Latin GRAMMY Week 2023 in Sevilla (Andalusien), Spanien, statt.

Vor sieben Jahren entwickelte die Latin Recording Academy eine Initiative zur Ehrung und Anerkennung professioneller und sozialbewusster Frauen in den Bereichen Kunst und lateinamerikanische Unterhaltung. Heute hat die Organisation ihre Preisträgerinnen für die Leading Ladies of Entertainment 2023 bekannt gegeben, von denen jede einen bedeutenden Beitrag geleistet und die nächste Generation weiblicher Führungskräfte inspiriert hat.

Die diesjährigen Preisträger sind:

Rondine Alcalá:Gründer von RondenePR, einem PR-Unternehmen für Musik und Unterhaltung

Mein Laferte:Singer/Songwriter, mehrfacher Latin-GRAMMY-Gewinner und GRAMMY-Nominierter

Simone Torres:GRAMMY-nominierter Ingenieur und Gesangsproduzent

Ana Villacorta López:SVP Marketing und Promotion bei Sony Music Entertainment Mexico

Am Montag, den 13. November, findet in Sevilla (Andalusien), Spanien, im Rahmen der Festzeltveranstaltungen der Latin GRAMMY Week 2023 eine private Zeremonie und ein Mittagessen zur Feier der Bemühungen der Leading Ladies statt.

„Diese vielfältige Gruppe herausragender und erfolgreicher Frauen hat große Beiträge zur lateinamerikanischen Musik geleistet“, sagte Manuel Abud, CEO der Latin Recording Academy. „Wir sind stolz darauf, sie mit dieser und anderen Initiativen zu feiern, die darauf abzielen, die Gleichstellung der Geschlechter zu fördern und die wichtige Rolle von Frauen in der Unterhaltungsindustrie zu würdigen.“

El Corte Inglés, Viñas Familia Gil und Noteable by Spotify for Artists nehmen als offizielle Sponsoren an der Feier teil; und das Ministerium für Tourismus, Kultur und Sport der Junta de Andalucía, mit Kofinanzierung aus europäischen Mitteln, treten als institutioneller Partner bei.

Im dritten Jahr wird Notable eine weitere besondere Stipendienspende an den Stipendienfonds der Latin GRAMMY Cultural Foundation leisten, um zukünftige lateinamerikanische Musikschaffende zu unterstützen.

Die Schaffung von Chancen für zukünftige Generationen ist eine zentrale Säule des Programms, und Leading Ladies of Entertainment hat mit She Is The Music – einer globalen gemeinnützigen Organisation, die sich dafür einsetzt, die Anzahl von Frauen in der Musik zu erhöhen – und der Latin GRAMMY Cultural Foundation ein gemeinsames Mentoring-Programm entwickelt . Ehemalige Leading Ladies-Preisträgerinnen werden eingeladen, als Mentorin eine She Is The Music-Mentee zu betreuen. Die Partnerschaft baut auf dem Leading Ladies Connect TogetHER-Mentoring-Programm des letzten Jahres auf. Bewerbungen für das Leading Ladies of Entertainment Connect TogetHER-Mentoring-Programm sind jetzt bis Freitag, 29. September 2023, 23:59 Uhr ET möglich. Bewerben Sie sich jetzt und für das Mentoring-Programm Lesen Sie die Richtlinien. Bei weiteren Fragen senden Sie bitte eine E-Mail an [email protected].

Erfahren Sie unten mehr über die Preisträgerinnen der Auszeichnung „Leading Ladies of Entertainment“ 2023 der Latin Recording Academy:

Rondine Alcalá:

Rondine Alcalá, Gründerin und Inhaberin von Rondene PR, begann ihre Karriere in der Öffentlichkeitsarbeit, als sie 1999 für den internationalen Künstler Luis Miguel auf seiner Welttournee „Loving Is A Pleasure“ arbeitete. Kurz darauf arbeitete sie als leitende Publizistin für eine renommierte PR-Firma in Los Angeles, wo sie Kampagnen für Superstars wie Alejandro Sanz, Shakira, Manna, Robi Draco Rosa, Enrique Iglesias, Ricardo Arjona, Sin Bandera und Alejandro Fernandez entwickelte und leitete Julia Venegas. Alcala stammt ursprünglich aus Venezuela und hat in ihrer eigenen Firma zu den Karrieren globaler Künstler wie Ricky Martin, Juan Luis Guerra, Laura Pausini, Los Temerarios, Luis Fonsi, Soraya, Natalia Lafourcade, Pablo Alborán, Jesse & Joy und Camilo-Kunden beigetragen .Mein Laferte:

In Norma Monserrat Bustamante Laferte lebt auch die Sängerin/Songwriterin und bildende Künstlerin Mon Laferte. Während ihrer Jugend begann sie ihre Karriere mit der Aufführung populärer Lieder in den Straßen von Viña del Mar an der zentralchilenischen Küste. Dieses Wachstum setzte sich in Mexiko fort, einem Land, das sie mit offenen Armen empfing und wo sie ihre ersten beiden Alben, Desechable und Tornasol, unabhängig veröffentlichen konnte. Es sollten noch einige Jahre vergehen, bis das gefeierte Album „Mon Laferte Vol.1“ erschien, mit dem sie nicht nur ein zunehmend treues, liebevolles und großes Publikum, sondern auch mehrere Latin-GRAMMY-Nominierungen eroberte. Im Laufe der Jahre erschienen immer wieder neue Songs, bis 2021 das GRAMMY-nominierte 1940 Carmen, ihr siebtes Album, sowie sein Vorgänger Seis veröffentlicht wurden. Mon Laferte ist ein Künstler mit einer Vision, die über Genres und Musikrichtungen hinausgeht. Dieses Experimentieren, die Überwindung der Angst vor Versuch und Irrtum, ihre Beharrlichkeit und natürlich ihr De-ella-Talent haben sie zu einer der beliebtesten und einflussreichsten lateinamerikanischen Künstlerinnen der Welt gemacht.Simone Torres:

Die für den GRAMMY und den Diamond Award nominierte Toningenieurin und Gesangsproduzentin Simone Torres hat an Platten für Künstler wie Cardi B, Camila Cabello, Becky G und Anitta gearbeitet. Zu seinen bemerkenswerten Leistungen zählen die Gesangsproduktion von Normanis „Motivation“ und die Entwicklung von Cardi Bs „I Like It“ und „Be Careful“. Kürzlich hat sie mit Becky G an mehreren Platten gearbeitet, darunter an ihrer neuesten Single „La Nena“. Sie glaubt, dass ihre Aufgabe de ella darin besteht, die Lücke zwischen den technischen und kreativen Aspekten des Musikmachens zu schließen. Als Absolventin des Berklee College of Music ist Torres für ihr geschicktes Gespür bei der Gesangsproduktion bekannt. Über das Studio hinaus arbeitet sie mit Organisationen zusammen, um sichere Räume zu schaffen, die junge Frauen und geschlechtsspezifische Menschen, die eine Musikkarriere anstreben, fördern.Ana Villacorta López:

Ana Villacorta López trat 1981 in die Musikunterhaltungsbranche ein. Nach einer kurzen Station bei RCA arbeitete sie über ein Jahrzehnt bei EMI, hauptsächlich als Direktorin für internationale Entwicklung in Spanien. 1993 übernahm sie die Position der Regional Marketing Director bei EMI und zog nach Mexiko. Fünf Jahre später wechselte sie als Marketingdirektorin von Ariola zu BMG. Nach der Fusion mit Sony übernahm sie die Marketingleitung und kehrte 2015 als Senior Vice President nach Mexiko zurück. Sie hat viele Künstler in ihrer Karriere begleitet, darunter Rocío Durcal, Julio Iglesias, Héroes del Silencio, Thalía, Fito Páez, Tony Bennett, Maná, One Direction, Vicente Fernández, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Reik, Carlos Rivera und Camila.Über She Is The Music: She Is The Music (SITM) ist eine globale gemeinnützige Organisation, die sich dafür einsetzt, die Zahl der Frauen in der Musikbranche zu erhöhen und die Geschlechterlandschaft der Branche zu verändern. SITM fungiert als verbindendes Netzwerk für die Musikbranche und darüber hinaus und stellt Ressourcen und Unterstützung für frauenorientierte Initiativen bereit, sowohl durch eigene Programme als auch durch externe Bemühungen weltweit. SITM ist eine einzigartige Zusammenarbeit und wird von branchenweiten Vertretern getragen: Urheber, Verleger, Plattenfirmen, Talentagenturen, Verwaltungsgesellschaften, Branchengruppen, Denkfabriken, Medienunternehmen, Streaming-Dienste und mehr. Als Partner fungiert die Entertainment Industry Foundation. Weitere Informationen finden Sie unter sheisthemusic.org.

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